SirJoe Polito

A prima vista, Black & White è una sorta di concept album concentrato nell’omaggio alla California, da Stephen Stills a David Crosby fino a Tom Waits, da sempre passioni di SirJoe Polito. Alle interpretazioni di 4 + 20 e della classicissima Almost Cut My Hair in una versione rarefatta e quanto mai attuale, fa seguito Bronx Lullaby/Smuggle’s Waltz, con un sassofono spaziale che è l’unico interlocutore (anche in Last Night e Happy New Year) oltre alle onnipresenti chitarre che sparse in quantità ottime e abbondanti, si alternano nelle possibilità acustiche ed elettriche come succede in Friend Come And Go e nella conclusiva Life. Il sound è corposo ed elegante (sentite Sunny Day in Santa Monica, con uno splendido inciso chitarristico in perfetto stile Ry Cooder, nota inclinazione di SirJoe Polito), con dinamiche ritmiche che si rivelano di volta in volta e il volume degli amplificatori incontrastato, come accade in Run Against The Wind, che nel titolo contiene un richiamo anche a Bob Seger, un altro che, a suo tempo, è rimasto intrappolato dalle parti della Pacific Coast Highway. Detto questo, Black & White non è soltanto un tributo sacrosanto e dichiarato alla West Coast americana: è nello stesso tempo il suo disco più coraggioso e intimo perché Sirjoe Polito conosce la materia come pochi altri e le canzoni originali si accostano con naturalezza a quelle dei troubadour californiani, e non è poco. Un’ulteriore nota alla confezione curatissima in tutti i dettagli, dall’apparato grafico alle note di copertina alle immagini, tutta una ricchezza assemblata con gusto e attenzione, proprio come si facevano i dischi un secolo fa.

Paolo Ronchetti

Dopo anni di militanza in dozzine di gruppi, ensemble, progetti, collaborazioni ed eventi estemporanei, Paolo Ronchetti giunge all’esordio discografico con un album coraggioso che prova a sintetizzare la passione per “mille autori e musicisti” in uno stile personale e unico. L’allineamento di “ispirazioni e desideri” in Cose da fare ha una ricchezza intrinseca cresciuta coltivando una visione musicale panoramica ed elaborata, che comprende persino il riff e gli arrangiamenti di chiara derivazione nordafricana in Vedi come passa il tempo. È una bella sorpresa e non è l’unica perché ci trovate Enzo Jannacci e i Los Lobos, Tom Waits e Gianmaria Testa, i Suicide e Charlie Haden, Joni Mitchell e Patti Smith perché le canzoni di Cose da fare oggi serpeggiano anche tra i lati femminili, con parole modificate in corso d’opera, suoni che attingono a galassie distanti tra loro e che trovano nell’interpretazione di Paolo Ronchetti (e nell’accurata produzione di Michele Anelli) una felice coesione, uno spirito comune e condiviso. Magari è vero che L’amore è una focaccia calda, ma tra le Cose da fare pare di capire che abbia un ruolo molto più importante: l’album è pervaso da una tensione spirituale che comincia con il tambureggiare di Attendo il sereno e si congeda con l’intima confessione di Adoro le canzoni di Natale. Un’intensa e delicata lullaby che racchiude tutte “le cose” di Paolo Ronchetti: sono tante, spumeggianti, bellissime e vanno scoperte almeno con la stessa cura con cui sono state assemblate.

Nagaila

Testimonianza del percorso stilistico speciale e unico di Nagaila, Niente di reale avvolge con trame sonore elaborate, a tratti taglienti, più vellutate e incantevoli che sanno spiegare come “come fanno i sogni a sussurrare la verità”, uno dei versi più significativi di Venere, che poi viene puntualmente contraddetto nel finale. D’altra parte Niente di reale coltiva i contrasti con meticolosa partecipazione, assecondando l’intensa interpretazione vocale di Nagaila che senza sforzarsi incanta con piccole e affascinanti variazioni di tonalità, come succede in È tempo che rimane. Lo sfondo è garantito dalle orchestrazioni di Fidel Fogaroli le cui chitarre e tastiere creano la giusta atmosfera per canzoni che hanno una sensibile struttura pop, ma anche una raffinata natura d’autore, che si esprime al meglio in Delicata, Pesci sul confine e Artificiale, ma soprattutto nei riff ipnotici e nel grave pianoforte di Dracula che, insieme alla conclusione di Inverness, costituiscono il lato più ombroso, misterioso e profondo di Niente di reale. Lì si aprono già accennati in Misterica, dove la conduzione musicale si fa via via minimale, con una tromba (la stessa Nagaila) che si fa largo nello spesso ordito di sequenze, feedback e divagazioni elettroniche che imperversano sullo sfondo. Una colonna sonora crepuscolare e particolarmente attuale: Niente di reale è più un album da percepire che da ascoltare e dato che “le comete assorbono il segnale”, assorbitelo anche voi.

Maverix

I Maverix non masticano soltanto ritmo ed energia come è d’obbligo in questo campo, dove un certo grado di caos è auspicabile e, per certi versi, inevitabile. Sì, si tratta senza dubbio di “nuotare nel buio senza controllo” come cantano in To The Alps, ma ci sta anche riconoscersi in un immaginario che comprende filamenti di scene americane (Josh Brolin, Sweet Alberta) e qualche vizio (Spaghetti Hymn, Cigars & Guns). È lì che i Maverix sanno organizzare attorno alle canzoni una bella struttura dinamica, ridotta all’osso quanto basta nella formula minima del trio, ma efficace dal punto di vista sonoro e capace di regolare le melodie chitarristiche country & western di Niccolò Cagnoni (ascoltate le note morriconiane di The Saddest of the Bar, giusto per esempio) sull’incessante deragliare della sezione ritmica (Matteo Bonini al basso e Alberto Dragoni alla batteria). Il risultato va un po’ oltre l’indispensabile ruvidità: Cowpunk! si rivela un disco ben rappresentativo, con un sound abrasivo e un sacco di armonie vocali e ritornelli contagiosi, passaggi strumentali adatti di Robert Rodriguez (prima fra tutti l’ouverture di 8.6) e riff spietati già predisposti per la spontanea combustione dal vivo, dove i Maverix sanno esprimersi al meglio e riescono a sparare rock’n’roll a tutto volume, che è sempre una cosa buona, giusta e senza controindicazioni. Seguiteli, seguiranno sviluppi molto presto.